Para esta nueva entrada hablare de
lo visto en la clase del día de hoy, al comenzar hicimos un ensayo con algunas características
que nos solicitó la maestra, el cual les mostraré a continuación.
Vidas
Alternas
Ramsés Alain López Camarena
6ª T/M Artes Audiovisuales
La actuación es la libertad de ser alguien más, abrir tu sensibilidad de
sufrir y gozar la vida desde el punto de vista de tu personaje.
La actuación ha comenzado a
expresarse mediante el teatro, pero con la aparición del cine se tuvieron que
transformar muchas de las técnicas antes utilizadas, esto dio pauta para la
formación de nuevos métodos, y técnicas de aprendizaje en la actuación,
llevando este arte a una completa transformación, desde cómo debe prepararse el
talento, hasta llegar a proyector una energía a cuadro, de tal forma que el
público pueda interpretarla como una emoción o sentimiento, el cine revoluciono
a gran medida la forma de expresión de los artistas. Una de las características
principales en el teatro, era la de exagerar los gestos y movimientos
corporales con el propósito de que todos los espectadores se dieran cuenta de
lo que sucedía en escena, además de tener que enaltecer la voz para ser
escuchado, este tipo de características fueron desapareciendo de la actuación
en el cine, ya que no era necesario exageran en nada para hacerse notar, de
hacer lo contrario podría decirse que la actuación del interprete no es
creíble, o es poco convincente.
Dentro de la actuación tenemos una
gran variedad de teorías y elementos que son de suma importancia, pero el más
importante de todos ellos sin duda sería la de observar, la base de la
actuación es la de actuar con naturalidad, y para lograr llegar a ese nivel
actoral, el actor debe tener un
conocimiento basto de sí mismo, es decir, sabe cuáles son sus expresiones
faciales cuando esta triste, alegre, molesto, deprimido o eufórico, de esta
manera es más fácil para él como interprete representar ciertos sentimientos y
emociones, porque estaría haciéndolo casi exactamente como él lo haría en una
situación real, de este modo conseguimos la credibilidad y naturalidad que
buscamos departe de nuestro talento; dentro de esto elementos contamos con otro
que tiene igual importancia, lo llamamos tren de pensamiento, el tren de
pensamiento es aquello que pensamos antes de actuar y se estructura de la
siguiente manera:
·
Acontecimiento: situación inesperada (puede
ser planeada), que no coloca en una situación sea incómoda o no, para el personaje.
·
Pensamiento: Es lo que nuestro personaje
piensa frente a esa situación en la cual lo ponemos a prueba.
·
Sentimiento: Las emociones que
experimenta nuestro personaje en el momento del acontecimiento.
·
Acción: La forma en la que nuestro
personaje actúa y reacciona frente a esa situación.
El tren de pensamiento, junto con
la observación, es una gran herramienta que ayuda a los actores a entrar en
personaje con respecto a la situación que está viviendo en esa escena, cabe
mencionar que la labor del actor cinematográfico no es tarea simple, puesto que
en la mayoría de los proyectos cinematográficos son realizados de manera no
lineal, por ejemplo, si trabajamos con una breve historia en la que nuestros
dos personajes principales, siendo un hombre y una mujer, se casan pero después se divorcian, y por
motivos de facilidad en la producción primero se graba el divorcio y después la
boda, el actor se enfrenta al reto de sentirse tris o molesto con el divorcio
sin antes haber experimentado el matrimonio, y después tener que expresar
alegría por el matrimonio, por este tipo cosas es necesario que el actor debe
conocerse lo suficiente para poder mantener una línea emocional que no brinque
en el producto final.
Así como hay diferentes elementos
en la actuación, también hay diferentes técnicas que nos facilitan la dirección
de actores, es importante que cada realizador pueda desarrollar una técnica
propia o basarse en alguna existente con la cual se pueda sentir cómodo y sea
funcional para sus propósitos; en lo personal mi técnica actoral sería la
siguiente:
1.- Plantear el personaje: El actor
debe conocer a fondo el personaje para que pueda sentir y pensar como él.
2.- Plantear el acontecimiento:
Hacerle saber al actor lo que está sucediendo en las escenas, de este modo
puede trabajar en sus emociones y en las acciones que podrá realizar a cuadro.
3.- Cuestionar: Le hago preguntas
al actor y él debe contestar como si fuera el personaje esto es para ver qué
tan metido está en el personaje y que aspectos habrá que trabajar más con el
actor.
Estos elementos pueden ser útiles,
y como estos hay muchos, pero no siempre son cien por ciento certeros, es
importante observar constantemente nuestra técnica y buscar las mejoras de la
misma.
Otro reto importante al cual nos
podemos enfrentar como realizadores es el de trabajar con no actores, esto
implica un cuidado mayor a la hora de dirigirlos, puesto que no tienen
experiencia en actuación, no se le puede exigir
mucho, y debemos buscar soluciones alternas para conseguir lo que
buscamos sin llegar a estresar a nuestro talento.
En conclusión la actuación y la
dirección actoral es un arte que se va perfeccionando a través de la práctica y
la experiencia de quienes lo llevan a cabo, y que es de suma importancia para
el desarrollo de algún film.
Posteriormente a eso realizamos una
actividad en la que cada uno de nosotros fungimos como actores y directores de
una breve escena, las pautas fueron dictadas por la maestra, nos dio un dialogo
y dos props que debíamos utilizar en nuestra escena, pero deberíamos cambiar el
sentido de estos, es decir el subtexto, el dialogo fue “Buenas noches”, y los
props a utilizar fueron, un borrador de pizarra y una mesa, pero a la hora de dirigir,
esa mesa y ese borrador tenían usos diferentes a los convencionales, una
compañera dirigió la escena como si se tratase de “frankenstein” en la cual
utilizo la mesa como una camilla donde se encontraba el monstruo, mientras el
otro compañero le daba un choque eléctrico, y al terminar con este, le ofrece vestimenta
(el borrador), y le dice buenas noches, otro trabajo de dirección que cabe
mencionar es de otro compañero, el cual planteo una situación con un joven, una
anciana y un gato atrapado en un árbol, donde el borrador era el gato y la mesa
la escalera con la cual el joven baja al gato, y el texto lo dice con un
sentido de agradecimiento por parte de la anciana. En mi caso la escena que
dirigí fue una rivalidad entre dos compañeros en la cual uno de ellos acude a
la casa del otro para retarlo en un juego de ruleta rusa, donde un marcador
funge como un revolver y la mesa como un sofá.
Posterior a esta actividad realizamos
otra con la cual nos pudimos auto descubrir, y que en lo personal fue bastante
divertido, el ejercicio constaba en colocarnos en círculo en el piso, teníamos que
reírnos o fingir que lo hacíamos e ir aumentando la intensidad de este, hasta
llegar a un punto alto en nuestra risa para romperla en llanto, esto es porque
entre la risa y el llanto hay grandes similitudes, la maestra fue la primera,
para dar el ejemplo, posteriormente a ella siguieron mis compañeros, quienes
uno a uno fue haciendo la actividad, pero a la hora de ver a nuestros
compañeros realizar la actividad nos era casi inevitable reírnos con ellos,
incluso si estaban llorando había algunos a quienes se nos escapaba una risa
discreta, otras no lo fueron tanto, algunos lo hicieron muy bien, a otros les
costó trabajo, en lo personal siento que hice un gran esfuerzo al querer
realizar la actividad, ya que no suelo expresar mi risa con regularidad, a
decir verdad tengo muchos años que no me rio como cuando niño, y difícilmente me
rio con alguna situación graciosa, por lo regular debo fingir mi risa.
En conclusión el auto descubrirse es
una gran herramienta para la actuación, ya que te permite un mejor manejo y
control de tu cuerpo.
Esto sería todo por el blog de hoy
espero su pronta visita.
